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自分のスタイルを育てるために:様々なジャンルのおすすめ音源紹介

このブログ記事は、先日の記事の姉妹記事です。ここでの違いは、主に演奏面に焦点を当てた上で、過去に僕を助けてくれた3つのジャンルの特定のテクニックを紹介することです。


まず伝えておきたいことは、音楽の好みは人それぞれなので、ある特定のジャンルを聞き続けてもいいし、それを突き詰めるのも良いということ。けれど、それを門外不出とすることはお勧めしません!色々な音楽を聞いて自分の意見、好き嫌いを持つべきだし、「ギルティプレジャー(後ろめたい喜び)」という概念は、自分よりも他の人が何かに対して持つ認識に基づいています。たとえ自分が楽しめなかったとしても、常に何かの良いところを見るようにしてください。例えば、僕は必ずしもラップの全てを楽しんでいるわけではないのですが、流暢に言葉を韻を踏む能力や、シンプルでありながら効果的な楽器の演奏には非常に感心しています。


それでは、最初のジャンルを紹介しよう!


ラップ

ラップ・ミュージックといえば、Snoop Dogg、Tupac、Eminem、Biggie Smallsといった伝説的なアーティストを思い浮かべるかと思います。


僕の好きなラップ・ソングのひとつは、エミネムの ‘Business’です(念のため、クリーン・バージョンをリンクしておく!)。この曲の主なギターパートは2つで、冒頭のリフとメロディーの高い部分のリフ。この曲は、ドラムと完璧に調和する本当にシンプルで反復的なリフは、複雑なリフと同じくらい印象的なものになり得るということを僕に教えてくれた。もしこれが2本のギターだったら、ハーモニーを加える必要があったかもしれません。ここでのキーワードは「シンプルさ」だ。


リズムの観点からは、演奏にストップがいくつかあるが、拍のカウントにはストップがなく、非常に便利なリズムになっています。


スカ

大学時代はメタル・ヘッドで、週末はクラブや小さな会場でロック・ミュージックを演奏していた少年だった僕は、授業の一環としてスペシャルズのトリビュート・バンドを始めるよう指示されたとき、少々抵抗がありました。


これらの曲を学ぶのは厄介で、珍しいコード進行のコードやトライアドを学び、自分なりに理解する必要があったからです。というのも、スカ・ミュージック、ひいてはレゲエ・ミュージックや似たようなスタイルでは、ギターがそのような忙しいアレンジに合うように、コードの断片をたくさん使うからだ。


ザ・スペシャルズの ‘Ghost Town’ という曲は、ディミニッシュ・コードの様式的な使い方と、ブリッジ部分でメジャー・キーに変わるときのキー・モジュレーションをさらに理解するのに役立ちました。この曲の一部には、毎回1つの音が変化する下降コードのパートがあり、同じようなことをするギター・リフが組み合わされている。この相互作用は僕にとって実に興味深いものだった!


リズムはレゲエに似ているが、一般的にはもっと速く、2拍目や4拍目ではなく「オフビート」で演奏されることが多い。


ブルース

ブルースには無数のサブジャンルがあり、さまざまなスタイルが存在し、無限の分派があるように思えますが、ブルースの核心はほとんど変わっていません。僕がギターを弾き始めたきっかけであり、ヘヴィなスタイルの音楽と並んで今でも最大のインスピレーションのひとつとなっているのは、BBキングという伝説的なギタリストです。


BBキングと似たようなギタリストはたくさんいますが、いつもユニークだと感じるのは、メジャーとマイナーの調性をシームレスに織り交ぜる能力です。理論的にはこれはあまり機能しないはずなのですが、今やブルース・サウンドの代名詞となっています。ドミナント・コードの上にマイナー・ペンタトニック・スケールを弾くのはたいていの場合うまくいくが、スケールのマイナー3rdとコードのメジャー3rdがぶつかると酸っぱい雰囲気になるので、僕はこの音を半音上げることを学んだ!


さらに、BBキングや彼の同世代のミュージシャンから自分流のビブラートを学び、音楽的な調整方法というよりは「感じるもの」として演奏に取り入れました。


楽曲のアイデアを自分の演奏に取り入れる

自分のスタイルを育てるためには、自分の演奏スタイルを変えることなく、自分の演奏に取り入れる必要があります。僕の母は、音楽を聴くのが好きだという事実を除けば、音楽について何も知らない!僕の母でさえ、ある音楽が私の演奏をフィーチャーしたものか、他の誰かの演奏をフィーチャーしたものかを見分けることができるのだから、もし誰かがあなたの演奏からあなたを見分けることができれば、あなたは正しい道を歩んでいることになります!


先ほどのブルースの例を使ってみましょう。スケールでない音、この場合はマイナー3rdを曲げて、スケールにある音にする。あるいは逆に、スケール・トーンにスライド・ダウンさせることもできる。これは一瞬の不協和音を引き起こすかもしれないし、エキゾチックな響きをもたらすかもしれない。


G7コードの音符はG - B - D - Fである。ここで使用する最も適切な音階は、Gミクソリディアン・スケールです:


G - A - B - C - D - E - F


しかし、多くの人は下記のGメジャー・スケールと似ているために混乱します:


G - A -B - C - D - E - F#


この最後のF#の音は、G7コードのFと不快な形でぶつかるので、私ならパッシング・ノートとして使います。、この音は少し不協和で短い「外」の音に聞こえ、すぐに解消することでスムーズに聞かせることができますが、この様にギターを弾いてスタイルを探すという旅は、何よりも自分探しの旅の様なものなのです。


曲作りの観点からも、またライブ・パフォーマンスの観点からも、ある曲のために別の曲と同じパートを書くことは、(スタジオでダブル・トラッキングしない限り)ほとんど無意味です。僕はスカ・ミュージックを学ぶ中で、コードの断片やトライアド、転回を取り入れ、既存のコード進行の上に質感のある音を重ねることを学びました。これは、曲を聴覚的に豊かにするだけでなく、適切であれば、サウンドをより洗練させる機会にもなります!


例えば、DmコードはD F Aという音を持っています。この上にFメジャー・コード(F A C)を弾くと、Dm7サウンドを暗示することになります。これは、ジャズ・ハーモニーとアッパー・ストラクチャーのクレイジーな世界に足を踏み入れているようなもので、それ自体がまったく別の世界のようなものです!


アフリカン・ハイ・ライフを聴いてみてください。ここでのギターの使い方は非常に特徴的で、アルペジオとスケールのパターンが常に流れていて、しかもつながっています。すべてが非常に接近していて、人によってはジャズ・ギターよりも親しみやすいとさえ感じるだろう。また、右手のテクニック、特にリズム奏法やミュートの使い方にも感心する。これらはすべてお手本として、自分のスタイルを伸ばすために積極的なインプットを心がけると良いでしょう。




最後に

演奏に対する個人的なアプローチは常に変化するもので、それは人間として、またミュージシャンとして成熟するにつれて好みが変化する若いギタリストであればなおさらです。そしてそれは、人間として、ミュージシャンとして成熟するにつれて嗜好が変化していく若いギタリストであればなおさらです。前回の記事で紹介したアラン・ホールズワースのように、彼は子供の頃にサックスに憧れ、滑らかな音色と流れるようなレガート奏法でそれをギターで再現しようとしました。


もし本当に行き詰まっているのなら、正直に言おう、誰にでも行き詰まることはいつかはあることなのです。音符のいくつかを使って、自分のギターのキャッチフレーズを開発できないか試してみよう。これを書いているとき、YouTubeで「クラリネット・ソロ 1956」というキーワードで検索したら、エルンスト・クレネックの素晴らしい作品に出会った!すぐに彼の素晴らしいダイナミック・コントロールと音程間のジャンプに気づいて、自分でも真似してみようと思いました!


Alex

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